lunes, 21 de diciembre de 2015

MAPA CONCEPTUAL


GLOSARIO DE TÉRMINOS

  • Abstracción: construcción mental sin correspondencia exacta con la realidad.
  • Ánfora: es un recipiente cerámico de gran tamaño con dos asas y un largo cuello estrecho, usado por los griegos y romanos para el transporte de alimentos.
  • Arte contemporáneo: arte producido en la actualidad.
  • Arte urbano: arte realizado en la calle, normalmente ilegal. 
  • Caricatura: es un retrato que exagera o distorsiona la apariencia física de una persona o varias, en ocasiones un retrato de la sociedad reconocible, para crear un parecido fácilmente identificable y, generalmente, humorístico.
  • Cartulina tipo bristol: Es la cartulina que conocemos comúnmente ya que en ella se puede pintar con casi cualquier tipo de pintura e incluso con gis y tintas.
  • Dadaísmo: movimiento artístico y literario, iniciado por Tristan Tzara en 1916, que propugna la liberación de la fantasía y la puesta en tela de juicio de todos los modos de expresión tradicionales.
  • Dibujo: es el arte de representar algo en un medio bidimensional o tridimensional mediante el uso de instrumentos y técnicas. Se trata de la expresión de una imagen que se realiza de forma manual. El dibujo es un lenguaje universal.
  • Dibujo anatómico: Representación del cuerpo humano, bien sea de forma completa como por partes.
  • Dibujo arquitectónico: es aquel dibujo técnico que incluye técnicas de dibujo a mano alzada, de dibujo con instrumental y de dibujo por ordenador, para la representación realista de elementos arquitectónicos. Esta variante incluye el dibujo de edificios, de paisajismo y de urbanismo.
  • Dibujo artístico: Representación gráfica bidimensional, de aquello que el ojo percibe tridimensionalmente. Es una técnica que permite representar la forma y el volumen empleando la línea como manifestación de sentimientos y pensamientos.
  • Dibujo geométrico: aquel que se representa por medio de gráficas planas.
  • Dibujo mecánico: se emplea en la representación de piezas o partes de máquinas, maquinarias, vehículos como grúas y motos, aviones, helicópteros y máquinas industriales.
  • Dibujo técnico: sistema de representación gráfica de objetos ya existentes o bien de prototipos, atendiendo a normas y convenciones preestablecidas por instituciones reguladoras. Eso permite describir de forma precisa y con claridad las dimensiones, formas y características de esos objetos materiales.
  • Dibujo topográfico: Consiste en la elaboración de planos o mapas, en los cuales se representan las formas y accidentes de un terreno.
  • Dirty art car: arte en los coches sucios.
  • Dripping: técnica que consiste en dejar chorrear la pintura, directamente desde un recipiente situado sobre la obra y que el artista mueve a su gusto o deja oscilar libremente. También se pueden utilizar pinceles o brochas para hacer gotear la pintura en el lienzo.
  • Fa oleo: consiste en un papel libre de ácido, con mas de 100 variedades de color.
  • Fauvismo: movimiento pictórico caracterizado por el empleo del color puro que surgió en París a principios del siglo xx.
  • Futurismo: es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX, proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
  • Genipapo: es el fruto de genipapo, un árbol que se encuentra en toda América. En guaraní, genipapo significa "fruta que sirve para pintar."   Esto es porque el jugo de la fruta verde, extrae una pintura con la se puede pintar en la piel, paredes, cerámica, etc. El genipapo es utilizado por muchos grupos étnicos de América del Sur para pintarse el cuerpo.
  • Henna: colorante en forma de polvo que se obtiene moliendo las hojas secas procedente del árbol llamado henna.
  • Hojas de papiro: es el nombre que recibe el soporte de escritura elaborado a partir de una planta acuática, muy común en el río Nilo, en Egipto, y en algunos lugares de la cuenca mediterránea.
  • Huito: es un árbol que crece en la amazonia del Perú, su nombre científico es genipa americana. Tiene muchas propiedades medicinales. Su uso más frecuente es como tinte natural de coloración negro. Lo utilizan desde tiempos ancestrales para teñirse el cabello de negro, además se pintan el cuerpo con huito como repelente de mosquitos.
  • Ilustración: es un dibujo o una imagen que acompaña el texto de un libro. Son imágenes que se asocian con palabras.
  • Informalismo: tendencia artística, especialmente pictórica, muy próxima a la abstracción, de la que se diferencia por un abandono más categórico de la línea y la forma definida.
  • Jeroglíficos: es un tipo de escritura en el cual las palabras no se representan con signos alfabéticos o fonéticos, sino que el significado de las palabras se expone con símbolos o figuras. Los egipcios y otros pueblos antiguos solían utilizar jeroglíficos en sus monumentos.
  • Land Art: corriente de arte contemporáneo en la que se utiliza la naturaleza para la creación de las obras artísticas.
  • Pop Art: fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, objetos culturales y del mundo del cine.
  • Realismo: es la denominación de un estilo o movimiento pictórico que se dio en Francia a mediados del siglo XIX, cuyo principal representante es Gustave Courbet.  El compromiso con las clases bajas y los movimientos políticos de izquierda marcó la sensibilidad social e ideológica de los pintores realistas que conectaría con la vertiente más comprometida socialmente del realismo literario: el naturalismo posterior.
  • Rosaspina: se trata de un papel para grabado, confeccionado a mano y de una excelente calidad.
  • Surrealismo: movimiento artístico y literario que surgió en Francia después de la Primera Guerra Mundial y que se inspira en las teorías psicoanalíticas para intentar reflejar el funcionamiento del subconsciente, dejando de lado cualquier tipo de control racional.
  • Papel bond: se trata de la hoja blanca de los exámenes y la mayoría de los papeles que recibimos.
  • Papel caballo: se trata de un papel que se utiliza para dibujo de alto nivel profesional, 100% celulosa, color clásico natural agradable a la vista. Se caracteriza por su gran resistencia a las borraduras. Los dibujos que se realicen en este papel se pueden colorear con acuarela. Su impresión no ofrece problemas, por los que se pueden obtener impresos muy llamativos por la dureza y carteo de este papel.
  • Papel crepé: El papel crepé es el resultado de arrugar las láminas del papel kraft liso incorporando aditivos químicos en los diversos colores. El papel kraft a su vez es un papel de elevada resistencia fabricado básicamente a partir de pasta química kraft. Puede ser crudo o blanqueado.
  • Papel de algodón: Es papel hecho de fibras de algodón. Generalmente se usa para pintar en acuarela.
  • Papel de lino: es aquel papel que está hecho de trapos, especialmente de lino.
  • Papel gamuza: es un papel fabricado en base al papel bond 90, cuyo proceso genera un producto con un acabado aterciopelado el cual se utiliza para manualidades.
  • Papel ingres y cason: este tipo de papel, es ideal para dibujar al carboncillo, con lápices de diferentes calidades, pasteles y otros medios. Además de blanco se consiguen en diferentes colores.
  • Papel para acuarela: es un papel duro, muy absorbente y por ello es ideal para pintar en acuarela.
  • Pintura al fresco: Técnica para pintar sobre paredes y techos en la que se emplean colores disueltos en agua de cal que son extendidos sobre una capa de estuco fresco especialmente preparado.
  • Pintura al temple: Técnica para pintar en la que se emplean colores mezclados con cierto tipo de pegamento y agua caliente.
  • Vectores: se trata sobre el zoom que se hace sobre la zona para lograr un mejor detalle.
  • Vitela: es un tipo de pergamino, para hacer las páginas de un libro o códice, caracterizado por su delgadez, durabilidad y lisura. El papel vitela era originalmente un material translúcido u opaco producido de piel de becerro que tenía que ser mojada, sometida a un proceso con cal y esquilada. 

EL DIBUJO Y SU ORIGEN

DEFINICIÓN

El dibujo es el arte de representar algo en un medio bidimensional o tridimensional mediante el uso de instrumentos y técnicas. Se trata de la expresión de una imagen que se realiza de forma manual. El dibujo es un lenguaje universal.

           HISTORIA

En la época del Paleolítico, hace 35.000 años, el hombre realizó sus primeros dibujos. Éstos reflejaban los animales que cazaban y se representaban en las cavernas o sobre la piel de los abrigos. Los dibujos más antiguos se encuentran en las cuevas de Altamira, en Cantabria.


                 Más tarde, llegaron las primeras civilizaciones, como los egipcios, los griegos y los romanos. Los egipcios se dedicaban a decorar las pirámides. Se hacían representaciones teológicas (relacionadas con la religión) en templos y santuarios. REPRESENTABAN CEREMONIAS Y GUERRAS. De la composición monótona y estática se paso al equilibrio, la minuciosidad y el colorido. Los griegos, los máximos representantes del equilibrio de la historia del dibujo, renuncian la representación de la naturaleza y obtienen las proporciones armónicas. Fabrican obras pictóricas que consisten en decoraciones de ánforas y de otras elegantes vasijas. Los romanos representaban mediante el dibujo lo que serían las primeras construcciones. Con ellos aparecen los primeros planos y nace la arquitectura.
                En la Edad Media (S.VIII-S.XV), predominan las representaciones vivaces y las dibujos o pinturas de carácter religioso. Se impone la espectacularidad y los aderezos (adornos) sin dar oportunidad a actuar el color. Se empieza a utilizar la pluma metálica o la tinta.
En el Renacimiento (2ª mitad S.XV), se le da importancia a reconocer la belleza y saberla expresar. Se vuelve a imponer lo natural y escueto y se estudia la figura humana y se desarticula lo religioso.


                 En el Barroco, se rompe la rectitud y la uniformidad en las representaciones pictóricas. Se exageran los recursos usados en el renacimiento. Por último, se intenta conmover y atraer al espectador.
                A partir del S.XIX, se rompe la continua uniformidad del dibujo. El estilo de pintura se vuelve libre, por lo que se bifurca en multitud de estilos (romanticismo, realismo, expresionismo, cubismo, etc.) y se usan todo tipo de recursos.


TIPOS DE DIBUJOS

Dibujo artístico: consiste en la expresión de sentimientos y emociones a través de la representación de figuras abstractas o reales. En la realización del dibujo artístico influyen las ideas y sentimientos del autor así como su manera de percibir el mundo.


Dibujo técnico: es un sistema de representación gráfica universal de carácter preciso y exacto. Para realizar este tipo de dibujo es necesario adquirir ciertos conocimientos mediante un proceso de aprendizaje.


Dibujo Geométrico: es aquel que se constituye por medio de gráficas planas. Se realiza de forma lógica con las principales figuras geométricas y es una tarea minuciosa.



Dibujo Mecánico: se trata de representar piezas o partes de máquinas, maquinarias, vehículos como grúas y motos, aviones, helicópteros y máquinas industriales. Dentro del dibujo mecánico existen diferentes tipos de planos.  Los planos de conjunto son los que representan un mecanismo o una máquina formada por un conjunto de piezas;  los planos de pieza representan un solo elemento; y  los planos de montaje que representan un conjunto de piezas con las indicaciones gráficas para su colocación.


Dibujo Arquitectónico: consiste en representar una infraestructura a  escala reducida para luego ser representada a escala real. A partir del dibujo arquitectónico realizamos planos para la construcción de edificios, casas, autopistas, etc.


Dibujo Topográfico: es la  elaboración de planos o mapas, en los cuales se representan las formas y accidentes de un terreno. Para realizar este tipo de dibujo hay que hacer cálculos gráficos y localizar los puntos y las líneas sobre el plano.


Caricatura: Una caricatura es un retrato que exagera o distorsiona la apariencia física y los rasgos más marcados de las personas. Este tipo de dibujo es generalmente humorístico.


Anatómico: es la representación del cuerpo humano, ya sea de forma completa o por partes. Es una antigua disciplina de bellas artes, necesaria para una correcta representación de la figura ya sea en la pintura o en la escultura.


TÉCNICAS DEL DIBUJO

  • Técnica a lápiz
Se define por el material que se usa en ella, es el lápiz negro, el lápiz blanco de yeso y de color, a los que se suman las tizas de color. Existen dos grandes etapas,  en la primera se dibuja el esqueleto del dibujo, y en la segunda se realizará el sombreado. Otras variantes del sombreado, son el circulismo y el suavizado, que consiste en pasar un papel o una tela sobre el grafito del dibujo.

  • Técnica a tinta
Es una técnica húmeda en la que se emplea tinta china, pinceles, estilógrafos y plumillas. El trazo es más lineal que el realizado con lápiz  y se utiliza para dibujos artísticos y la delineación de dibujos técnicos.

  • Técnica a bolígrafo
     El bolígrafo es de difícil manejo ya que no admite correcciones como otros procedimientos. Se trabaja por tramas formadas, por puntos repartidos según diferentes densidades, por pequeños trazos superpuestos, por líneas alargadas que se diluyen en sus extremos o por comillas encimadas hasta lograr los efectos deseados.

  • Técnica de acuarela
Es una técnica que utiliza sus múltiples atractivos. Las técnicas de acuarela son pintar húmedo sobre húmedo, acuarela seca y transparencia.
La técnica de pintar húmedo sobre húmedo consiste en humedecer el papel para conseguir que los colores se expandan y dispersen de una forma más natural. Esta técnica tiene tres variantes. La primera de ellas, trata de mojar el papel sobre el que vamos a pintar. Después, cogemos el pincel con el color deseado y pintar sobre él. Por último, se deja secar la primera capa, para poder aplicar otras. La segunda variante es dejar caer varias gotas aún cuando la tinta está húmeda. La tercera de ellas consiste en primer lugar, colocar el primer color en el papel húmedo. En segundo lugar, depositar el segundo color inclinando el papel para que se mezclen los colores.  La técnica de acuarela seca trata de aplicar el color en el papel seco con el pincel seco. Consiste en destacar los detalles pequeños. Una variante de esta técnica es aplicar un color sobre otro ya seco.

  • Técnica aerógrafo
Esta técnica consiste en una pistola conectada a un compresor de aire que realiza un disparo con pequeñas gotas de pintura, esta pistola se llama aerógrafo y puede dibujar sobre cualquier superficie. Nos permite aplicar trazos finos, dibujar los detalles más pequeños y obtener contornos borrosos.
Aerografía crea un amplio espacio para la creatividad y permite utilizar cualquier tipo de pintura: óleo, acrílico, gouache, acuarela, hasta la tinta.
Esta técnica se ha convertido en toda una tendencia en el arte contemporáneo. Las obras realizadas con el aerógrafo se ven muy atractivas, se conservan bien y asombran con sus detalles y precisión.


  • Técnica del marcador
Se usa un marcador para la combinación de colores o la realización de arte abstracto. La ventaja del marcador es que permite colorear de una manera rápida. Se basa en la línea como elemento principal y además puede aportar direcciones, puntos texturas, tachaduras, mezclas de color, etc.

  • Técnica a lápiz de color
Técnica de ilustración con lápices de color que se realiza casi de igual forma que con lápiz de grafito, sólo que el color es más fino y con un acabado más satinado. Se emplea mediante la superposición de capas, comenzando por los tonos claros y terminando por los más oscuros. 





INSTRUMENTOS QUE SE UTILIZAN PARA DIBUJAR

·   El estilete → se trata de un instrumento que se empleaba para escribir sobre tablillas de cera. Es una varilla de metal apuntada muy parecida a la punta metálica.
·    Punta metálica → es una varilla de metal delgada. Los metales que más se utilizan son el plomo, la plata, el cobre y el oro. Antiguamente, la punta metálica se usaba sobre vitela.
·   Tintas → se trata de una sustancia fluida para dibujar sobre papel empleando plumas como pinceles.
·    Tinta de ácido ferrogálico →  consiste en una tinta que cuando se aplica es negra. Con el tiempo, ésta se vuelve marrón.
·    Tinta de carbono → se trata de una tinta que está hecha a partir de hollín. Este tipo de tinta ni se decolora ni se vuelve marrón.
·   Bistre → se trata de una tinta que está hecha con carbón de madera. Su color puede variar  desde el amarillo hasta el marrón oscuro.
·    Sepia → es un color rojo anaranjado oscuro. Se obtiene a partir de la jibia o sepia.
·    Acuarela → es un pigmento que se disuelve en agua y se plasma sobre el papel o el cartón.
·    Carboncillo → se trata de una forma de carbón. Se borra fácilmente. Fue utilizado por los griegos y romanos para dibujar a mano composiciones murales.
·   Tiza → se trata de un instrumento que tuvo una gran importancia en el estilo. El inconveniente de este instrumento es que aunque afilemos la tiza, no se puede conseguir trazos tan finos.
·    Tiza negra → consiste en un mineral que hace una marca imborrable. Aparece en el S.XV pero se le da importancia en el S.XVI.
·    Tiza roja → es un instrumento compuesto por óxido de hierro o arcilla ferruginosa. También se le conoce como Sanguina.
·   Pastel → se trata de barritas de pigmentos de muchos colores mezclado con blanco. Se conoce desde el S.XV pero en el S.XVIII se convierte en el máximo exponente del rococó.
·   Estilográfico → es un rotulador que permite realizar trazos a tinta de diversos grosores. Se emplea para crear dibujos delineados.
·    Instrumentos auxiliares  son instrumentos que sirven de apoyo para trazar líneas rectas, arcos de circunferencia, etc. Algunos de ellos son la regla graduada, la escuadra, el cartabón, el compás y el transportados de ángulos.

 



SOPORTES DEL DIBUJO

Los dibujos que realizaron en la antigüedad y los que realizamos actualmente se pueden plasmar en los siguientes soportes.
Las paredes de las cuevas, tanto las interiores como las exteriores se convirtieron en los primeros soportes de la pintura en el Paleolítico. También plasmaban sus pinturas sobre la piel de los abrigos. Durante el gótico, las paredes se sustituyeron por vidrieras.
El segundo y tercer soporte que nos podemos encontrar son las pirámides que decoraban los egipcios y las ánforas y vasijas que adornaban los griegos.
El pergamino fue otro de los soportes más habituales y se utilizó como base de las ilustraciones y como escrituras de los Evangelios y Biblias. 
La madera ha sido uno de los soportes más utilizados. La madera empleada era de nogal, pino, abeto, abedul, cedro, álamo blanco y maderas tropicales duras como la caoba. 
La tela es el soporte más común en la pintura. Las telas mas empleadas son las de lino y de cáñamo. Escasamente se utilizan las telas de seda, lápiz, terciopelo, raso y satén.
En el Renacimiento, se generalizó el uso del lienzo, el cual puede considerarse el soporte de más éxito en la historia de la pintura.
El noveno soporte es el muro. Dentro de la pintura sobre un muro se pueden utilizar dos técnicas: pintura al fresco y al temple. 
Otros soportes utilizados en la pintura son el cobre, el latón, el cinc, la pizarra, el mármol, el marfil, el vidrio, el cristal, el plástico y el cuerpo humano.
El papel es el soporte más idóneo del dibujo y uno más utilizados a partir del siglo XIV. Ha sido utilizado para apuntes, bocetos y obras. Sobre el papel se puede emplear una multitud de técnicas artísticas. Se suele utilizar el papel de lino, el de tinta, el de algodón y papel gris, marfil y gamuza. Otros tipos de papel son el papel cartridge, la cartulina tipo bristol, cartones para dibujo e ilustración y el papel veludillo, aterciopelado, el papel bond, papel vegetal, cartulina durex, papel ingres y cason, cartón ilustración, papel para acuarela, papel caballo, papel crepé, fa óleo, fa acuarela y rosaspina. En Asia se utiliza el papel de algodón llamado “Khadi”. El cartón al igual que la cartulina, las tablillas egipcias, las láminas lisas, calcáreas o de terracota, las hojas de papiro y de palma son soportes que se emplean para el dibujo y técnicas afines. También se usó como soporte pictórico el cuero y la vitela, superficies adecuadas para la caligrafía, pintura y pastel. Otros soportes son el acetato y el metal. 

ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS

Pollock

Nació en 1912 en Cody (Wyoming). Pintor estadounidense representante del Expresionismo Abstracto. Estudiante de pintura en la Art Students League de Nueva York junto a Thomas Hart Benton.
Entre 1935 y 1941 trabajó en el Proyecto Federal de Arte, programa de subsidios creado por el Gobierno Roosevelt. En 1943, hace su primera muestra en la galería neoyorquina Art of this Century.
Sus primeras obras, todas realistas, representan escenas. Influido por el surrealismo, pinta cuadros como La loba (1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York)


En 1947, elimina de sus obras todo símbolo reconocible y empieza a pintar composiciones absolutamente abstractas. Es famoso por las pinturas en las que emplea el dripping (el goteo de pintura) como técnica principal. La importancia del movimiento de su cuerpo para la creación de estas obras es vista en ocasiones como uno de los orígenes de la Pintura de Acción.


Jackson Pollock falleció en Springs, Nueva York, el 11 de agosto de 1956 al sufrir un grave accidente de automóvil. 



Francis Bacon

Nació el 28 de octubre de 1909 en Dublín.
En 1927 viajó a París y Berlín, donde realiza trabajos de decoración. Es expulsado de casa por su padre cuando tenía 16 años, al manifestar sus inclinaciones homosexuales. Visitó una exposición de Pablo Picasso y tras la impresión que le produjo, comenzó a realizar dibujos y acuarelas.
Este pintor irlandés es el principal representante de la Neofiguración. Se especializó en la representación condición humana desde una visión existencialista sombría y cruda a través de dípticos, trípticos y series alrededor de un solo motivo. Sus pinturas son figurativas, aunque con deformaciones expresionistas monstruosas de gran intensidad emocional.
Francis Bacon falleció el 28 de abril de 1992 de una crisis cardiaca en la clínica Ruber, Madrid.

Autorretrato (1971)




Christiane Vleugels

Nació en Bélgica. Conocida como Raipun. A los 12 años sus padres la inscribieron en la Academia de Bellas Artes, aprendió dibujo y escultura con el artista Herman Cornelis, continuando su educación artística en el SISA y la Real Academia de Amberes.
Utiliza magistralmente la luz y el color para dotar de vida a sus pinturas al óleo. Crea pinturas hiperrealistas que muestran sensualidad y belleza. Consigue trasmitir una historia propia completamente inventada por el espectador en cada uno de sus cuadros.
Después de exponer en diversas galerías, durante algún tiempo se dedicó a realizar encargos y reproducciones, según ella misma, esto le sirvió para mejorar su técnica.




Miquel Barceló

                Miquel Barceló nace el 8 de enero  de 1957 en Felanitx, Mallorca. Sus primeros contactos con el arte se producen a través de su madre, ella misma pintora en la tradición paisajística mallorquina.
En Mallorca aprendió a amar las grutas y el mar, y entró en contacto con Joan Miró, una gran influencia en sus primeros lienzos con temas de animales marcadamente expresionistas. En los años 70, durante un viaje a París, descubrió artistas como Paul Klee o Dubuffe y recibió influencias del Art Brut, que le hizo experimentar terrenos no explorados. La pintura barroca, el expresionismo abstracto norteamericano, el Arte povera italiana, el Action painting, el Arte conceptual han influenciado la imaginación de este artista neoexpresionista que, de forma autodidacta, leyendo todo lo que caía en sus manos terminó trazando su propia senda artística.


Continuamente experimentando, valiéndose de la naturaleza y de elementos orgánicos. Algunas de sus obras tienen evolucionan con el paso del tiempo: sometiendo a sus lienzos a la reacción de la intemperie, provocando el cuarteamiento o la oxidación de la pintura. También recurre a la técnica del dripping sobre telas que posteriormente cubre con pintura de color blanco. Con la técnica del collage de papel y cartón, crea una serie de autorretratos, representándose pintando en su estudio y una serie de naturalezas muertas en París.

Uno de los proyectos de mayor envergadura que ha acometido Barceló ha sido la decoración de la Capilla de Sant Pere o del Santísimo en la Catedral de Palma de Mallorca. 



Luis Pérez
                Nació en Valladolid en 1978. Es un joven apasionado por la luz y los reflejos. En sus obras podemos contemplar toda una variedad de motivos que van desde el paisaje urbano (Nueva York, San Francisco, Londres,…) a aviones, motos o coches, siempre bajo un acento marcado realista. Sus pinturas destacan por el alto grado de detalle que contienen. A primera vista pueden parecer fotografías.
Cada trabajo es realizado minuciosamente, es una labor que puede llevar hasta tres meses para su completa ejecución. Por ello, su producción se reduce a unos pocos cuadros por año, estando disponibles a la venta en galerías de Londres, Madrid y Hamburgo.
Como buen amante del automovilismo, la marca Ferrari es una de sus preferidas a la hora de realizar un nuevo cuadro, y ya sea representando un volante clásico o el moderno California, logra capturar hasta el más mínimo detalle.
Licenciado en Historia del Arte en la Universidad de Valladolid, vivió durante cuatro años en Londres, donde comenzó su carrera artística. Pese a su juventud ha expuesto ya en varios países, su obra se encuentra en colecciones tanto públicas como privadas de todo el mundo y ha aparecido en revistas especializadas como Classic Cars Magazine.

Ferrari California (2010)






ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS ANDALUCES

           Luis Gordillo



Nace en Sevilla, en 1934. Estudió derecho y comenzó su formación en la Escuela de Bellas Artes de Sevilla
En 1958 viaja a París donde descubre el Informalismo. Posteriormente aparecen en sus dibujos elementos del pop art. Su trayectoria marcada por la experimentación continua así como por el cambio de registros en su producción se adentra en la abstracción, donde plasma obsesiones e incertidumbres. En su obra más reciente mezcla fotografía, pintura, estampa y trabajo de ordenador. 


Caballero cubista aux larmes


Automovilistas en el paisaje



Chema Cobo


Nace en Tarifa (Cádiz) en 1952. Estudió Filosofía en la Universidad Autónoma de Madrid, pero en realidad su vocación es la pintura que ejerce desde los años setenta.
 Su estilo se define por una mezcla de varias características: pop, surrealismo, futurismo y dadaísmo con un resultado final muy colorista y temas fantásticos e imaginativos.
Actualmente vive en Alhaurín el Grande (Málaga).  


Study of Two Pears (Estudio de dos peras)


Metamorfosis






Alfonso Albacete


                Nace en Antequera (Málaga) en 1950. Se formó en Murcia teniendo como profesor al pintor murciano Juan Bonafé. Durante esos años también realiza Arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Madrid. Continuó sus estudios pictóricos asistiendo a las clases del Círculo de Bellas Artes de Valencia.
                Su obra plantea reflexiones sobre la pintura del siglo XX, muestra un acercamiento al pop art y al fauvismo.
A finales de los años 70 posee un estilo que coexiste entre la figuración y la abstracción. Además, el expresionismo abstracto procedente de América se convierte en un elemento que hace propio. Su pincelada se vuelve entonces sistemática y constructiva.
La obra de Alfonso Albacete ha evolucionado desde el realismo, utilizado en sus primeros cuadros, hasta llegar a la nueva figuración con una tendencia claramente expresionista, que se observa en el uso de colores fuertes y vivos.
En sus series de bodegones, figuras humanas y marinas utiliza un lenguaje cada vez más abstracto. Poco a poco su pintura se ha ido centrando en un dibujo enriquecido con elementos arquitectónicos y figuras geométricas.
Alfonso Albacete reside actualmente en Madrid.


Tercera pérgola


Dos calles conducen al sur




Abraham Lacalle


Nació en Almería en 1962. Comenzó su carrera en la década del ´80 y en 1994 ganó la beca de promoción artística de la Casa de Velázquez. Su obra se caracteriza por tener referencias literarias -Lowry, Fernando Pessoa, Ramón Gómez de la Serna-, disciplina que también cultiva.
Sus obras impactan por la especial subjetividad que hace en el tratamiento del color. A su vez en ella hay constantes referencias a los grandes movimientos artísticos y literarios del siglo XX y una crítica social.


Fuente


Meridiano de sangre