lunes, 21 de diciembre de 2015
GLOSARIO DE TÉRMINOS
- Abstracción: construcción mental sin correspondencia exacta con la realidad.
- Ánfora: es un recipiente cerámico de gran tamaño con dos asas y un largo cuello estrecho, usado por los griegos y romanos para el transporte de alimentos.
- Arte contemporáneo: arte producido en la actualidad.
- Arte urbano: arte realizado en la calle, normalmente ilegal.
- Caricatura: es un retrato que exagera o distorsiona la apariencia física de una persona o varias, en ocasiones un retrato de la sociedad reconocible, para crear un parecido fácilmente identificable y, generalmente, humorístico.
- Cartulina tipo bristol: Es la cartulina que conocemos comúnmente ya que en ella se puede pintar con casi cualquier tipo de pintura e incluso con gis y tintas.
- Dadaísmo: movimiento artístico y literario, iniciado por Tristan Tzara en 1916, que propugna la liberación de la fantasía y la puesta en tela de juicio de todos los modos de expresión tradicionales.
- Dibujo: es el arte de representar algo en un medio bidimensional o tridimensional mediante el uso de instrumentos y técnicas. Se trata de la expresión de una imagen que se realiza de forma manual. El dibujo es un lenguaje universal.
- Dibujo anatómico: Representación del cuerpo humano, bien sea de forma completa como por partes.
- Dibujo arquitectónico: es aquel dibujo técnico que incluye técnicas de dibujo a mano alzada, de dibujo con instrumental y de dibujo por ordenador, para la representación realista de elementos arquitectónicos. Esta variante incluye el dibujo de edificios, de paisajismo y de urbanismo.
- Dibujo artístico: Representación gráfica bidimensional, de aquello que el ojo percibe tridimensionalmente. Es una técnica que permite representar la forma y el volumen empleando la línea como manifestación de sentimientos y pensamientos.
- Dibujo geométrico: aquel que se representa por medio de gráficas planas.
- Dibujo mecánico: se emplea en la representación de piezas o partes de máquinas, maquinarias, vehículos como grúas y motos, aviones, helicópteros y máquinas industriales.
- Dibujo técnico: sistema de representación gráfica de objetos ya existentes o bien de prototipos, atendiendo a normas y convenciones preestablecidas por instituciones reguladoras. Eso permite describir de forma precisa y con claridad las dimensiones, formas y características de esos objetos materiales.
- Dibujo topográfico: Consiste en la elaboración de planos o mapas, en los cuales se representan las formas y accidentes de un terreno.
- Dirty art car: arte en los coches sucios.
- Dripping: técnica que consiste en dejar chorrear la pintura, directamente desde un recipiente situado sobre la obra y que el artista mueve a su gusto o deja oscilar libremente. También se pueden utilizar pinceles o brochas para hacer gotear la pintura en el lienzo.
- Fa oleo: consiste en un papel libre de ácido, con mas de 100 variedades de color.
- Fauvismo: movimiento pictórico caracterizado por el empleo del color puro que surgió en París a principios del siglo xx.
- Futurismo: es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX, proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
- Genipapo: es el fruto de genipapo, un árbol que se encuentra en toda América. En guaraní, genipapo significa "fruta que sirve para pintar." Esto es porque el jugo de la fruta verde, extrae una pintura con la se puede pintar en la piel, paredes, cerámica, etc. El genipapo es utilizado por muchos grupos étnicos de América del Sur para pintarse el cuerpo.
- Henna: colorante en forma de polvo que se obtiene moliendo las hojas secas procedente del árbol llamado henna.
- Hojas de papiro: es el nombre que recibe el soporte de escritura elaborado a partir de una planta acuática, muy común en el río Nilo, en Egipto, y en algunos lugares de la cuenca mediterránea.
- Huito: es un árbol que crece en la amazonia del Perú, su nombre científico es genipa americana. Tiene muchas propiedades medicinales. Su uso más frecuente es como tinte natural de coloración negro. Lo utilizan desde tiempos ancestrales para teñirse el cabello de negro, además se pintan el cuerpo con huito como repelente de mosquitos.
- Ilustración: es un dibujo o una imagen que acompaña el texto de un libro. Son imágenes que se asocian con palabras.
- Informalismo: tendencia artística, especialmente pictórica, muy próxima a la abstracción, de la que se diferencia por un abandono más categórico de la línea y la forma definida.
- Jeroglíficos: es un tipo de escritura en el cual las palabras no se representan con signos alfabéticos o fonéticos, sino que el significado de las palabras se expone con símbolos o figuras. Los egipcios y otros pueblos antiguos solían utilizar jeroglíficos en sus monumentos.
- Land Art: corriente de arte contemporáneo en la que se utiliza la naturaleza para la creación de las obras artísticas.
- Pop Art: fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, objetos culturales y del mundo del cine.
- Realismo: es la denominación de un estilo o movimiento pictórico que se dio en Francia a mediados del siglo XIX, cuyo principal representante es Gustave Courbet. El compromiso con las clases bajas y los movimientos políticos de izquierda marcó la sensibilidad social e ideológica de los pintores realistas que conectaría con la vertiente más comprometida socialmente del realismo literario: el naturalismo posterior.
- Rosaspina: se trata de un papel para grabado, confeccionado a mano y de una excelente calidad.
- Surrealismo: movimiento artístico y literario que surgió en Francia después de la Primera Guerra Mundial y que se inspira en las teorías psicoanalíticas para intentar reflejar el funcionamiento del subconsciente, dejando de lado cualquier tipo de control racional.
- Papel bond: se trata de la hoja blanca de los exámenes y la mayoría de los papeles que recibimos.
- Papel caballo: se trata de un papel que se utiliza para dibujo de alto nivel profesional, 100% celulosa, color clásico natural agradable a la vista. Se caracteriza por su gran resistencia a las borraduras. Los dibujos que se realicen en este papel se pueden colorear con acuarela. Su impresión no ofrece problemas, por los que se pueden obtener impresos muy llamativos por la dureza y carteo de este papel.
- Papel crepé: El papel crepé es el resultado de arrugar las láminas del papel kraft liso incorporando aditivos químicos en los diversos colores. El papel kraft a su vez es un papel de elevada resistencia fabricado básicamente a partir de pasta química kraft. Puede ser crudo o blanqueado.
- Papel de algodón: Es papel hecho de fibras de algodón. Generalmente se usa para pintar en acuarela.
- Papel de lino: es aquel papel que está hecho de trapos, especialmente de lino.
- Papel gamuza: es un papel fabricado en base al papel bond 90, cuyo proceso genera un producto con un acabado aterciopelado el cual se utiliza para manualidades.
- Papel ingres y cason: este tipo de papel, es ideal para dibujar al carboncillo, con lápices de diferentes calidades, pasteles y otros medios. Además de blanco se consiguen en diferentes colores.
- Papel para acuarela: es un papel duro, muy absorbente y por ello es ideal para pintar en acuarela.
- Pintura al fresco: Técnica para pintar sobre paredes y techos en la que se emplean colores disueltos en agua de cal que son extendidos sobre una capa de estuco fresco especialmente preparado.
- Pintura al temple: Técnica para pintar en la que se emplean colores mezclados con cierto tipo de pegamento y agua caliente.
- Vectores: se trata sobre el zoom que se hace sobre la zona para lograr un mejor detalle.
- Vitela: es un tipo de pergamino, para hacer las páginas de un libro o códice, caracterizado por su delgadez, durabilidad y lisura. El papel vitela era originalmente un material translúcido u opaco producido de piel de becerro que tenía que ser mojada, sometida a un proceso con cal y esquilada.
EL DIBUJO Y SU ORIGEN
DEFINICIÓN
El
dibujo es el arte de representar algo en un medio bidimensional o
tridimensional mediante el uso de instrumentos y técnicas. Se trata de la
expresión de una imagen que se realiza de forma manual. El dibujo es un
lenguaje universal.
HISTORIA
En
la época del Paleolítico, hace 35.000 años, el hombre realizó sus primeros
dibujos. Éstos reflejaban los animales que cazaban y se representaban en las
cavernas o sobre la piel de los abrigos. Los dibujos más antiguos se encuentran
en las cuevas de Altamira, en Cantabria.
Más tarde, llegaron las primeras
civilizaciones, como los egipcios, los griegos y los romanos. Los egipcios se
dedicaban a decorar las pirámides. Se hacían representaciones teológicas
(relacionadas con la religión) en templos y santuarios. REPRESENTABAN
CEREMONIAS Y GUERRAS. De la composición monótona y estática se paso al
equilibrio, la minuciosidad y el colorido. Los griegos, los máximos
representantes del equilibrio de la historia del dibujo, renuncian la
representación de la naturaleza y obtienen las proporciones armónicas. Fabrican
obras pictóricas que consisten en decoraciones de ánforas y de otras elegantes
vasijas. Los romanos representaban mediante el dibujo lo que serían las
primeras construcciones. Con ellos aparecen los primeros planos y nace la
arquitectura.
En
la Edad Media (S.VIII-S.XV), predominan las representaciones vivaces y las
dibujos o pinturas de carácter religioso. Se impone la espectacularidad y los
aderezos (adornos) sin dar oportunidad a actuar el color. Se empieza a utilizar
la pluma metálica o la tinta.
En el Renacimiento (2ª
mitad S.XV), se le da importancia a reconocer la belleza y saberla expresar. Se
vuelve a imponer lo natural y escueto y se estudia la figura humana y se
desarticula lo religioso.
En el Barroco, se rompe la rectitud y
la uniformidad en las representaciones pictóricas. Se exageran los recursos
usados en el renacimiento. Por último, se intenta conmover y atraer al
espectador.
A
partir del S.XIX, se rompe la continua uniformidad del dibujo. El estilo de
pintura se vuelve libre, por lo que se bifurca en multitud de estilos
(romanticismo, realismo, expresionismo, cubismo, etc.) y se usan todo tipo de
recursos.
TIPOS DE DIBUJOS
Dibujo artístico: consiste
en la expresión de sentimientos y emociones a través de la representación de
figuras abstractas o reales. En la realización del dibujo artístico influyen
las ideas y sentimientos del autor así como su manera de percibir el mundo.
Dibujo técnico: es un
sistema de representación gráfica universal de carácter preciso y exacto. Para
realizar este tipo de dibujo es necesario adquirir ciertos conocimientos
mediante un proceso de aprendizaje.
Dibujo Geométrico: es aquel
que se constituye por medio de gráficas planas. Se realiza de forma lógica con
las principales figuras geométricas y es una tarea minuciosa.
Dibujo Mecánico: se trata
de representar piezas o partes de máquinas, maquinarias, vehículos como grúas y
motos, aviones, helicópteros y máquinas industriales. Dentro del dibujo
mecánico existen diferentes tipos de planos.
Los planos de conjunto son los que representan un mecanismo o una
máquina formada por un conjunto de piezas;
los planos de pieza representan un solo elemento; y los planos de montaje que representan un
conjunto de piezas con las indicaciones gráficas para su colocación.
Dibujo Arquitectónico: consiste
en representar una infraestructura a
escala reducida para luego ser representada a escala real. A partir del
dibujo arquitectónico realizamos planos para la construcción de edificios,
casas, autopistas, etc.
Dibujo Topográfico: es
la elaboración de planos o mapas, en los
cuales se representan las formas y accidentes de un terreno. Para realizar este
tipo de dibujo hay que hacer cálculos gráficos y localizar los puntos y las
líneas sobre el plano.
Caricatura: Una caricatura es un retrato que exagera
o distorsiona la apariencia física y los rasgos más marcados de las personas.
Este tipo de dibujo es generalmente humorístico.
Anatómico: es la representación del cuerpo
humano, ya sea de forma completa o por partes. Es una antigua disciplina de bellas
artes, necesaria para una correcta representación de la figura ya sea en la
pintura o en la escultura.
TÉCNICAS DEL DIBUJO
- Técnica a lápiz
Se define por el material que se usa en ella,
es el lápiz negro, el lápiz blanco de yeso y de color, a los que se suman las
tizas de color. Existen dos grandes etapas,
en la primera se dibuja el esqueleto del dibujo, y en la segunda se
realizará el sombreado. Otras variantes del sombreado, son el circulismo y el
suavizado, que consiste en pasar un papel o una tela sobre el grafito del
dibujo.
- Técnica a tinta
Es una técnica húmeda en la que se emplea tinta
china, pinceles, estilógrafos y plumillas. El trazo es más lineal que el
realizado con lápiz y se utiliza para
dibujos artísticos y la delineación de dibujos técnicos.
- Técnica a bolígrafo
El
bolígrafo es de difícil manejo ya que no admite correcciones como otros
procedimientos. Se trabaja por tramas formadas, por puntos repartidos según
diferentes densidades, por pequeños trazos superpuestos, por líneas alargadas
que se diluyen en sus extremos o por comillas encimadas hasta lograr los
efectos deseados.
- Técnica de acuarela
Es
una técnica que utiliza sus múltiples atractivos. Las técnicas de acuarela son
pintar húmedo sobre húmedo, acuarela seca y transparencia.
La
técnica de pintar húmedo sobre húmedo consiste en humedecer el papel para
conseguir que los colores se expandan y dispersen de una forma más natural.
Esta técnica tiene tres variantes. La primera de ellas, trata de mojar el papel
sobre el que vamos a pintar. Después, cogemos el pincel con el color deseado y
pintar sobre él. Por último, se deja secar la primera capa, para poder aplicar
otras. La segunda variante es dejar caer varias gotas aún cuando la tinta está
húmeda. La tercera de ellas consiste en primer lugar, colocar el primer color
en el papel húmedo. En segundo lugar, depositar el segundo color inclinando el
papel para que se mezclen los colores. La
técnica de acuarela seca trata de aplicar el color en el papel seco con el
pincel seco. Consiste en destacar los detalles pequeños. Una variante de esta
técnica es aplicar un color sobre otro ya seco.
- Técnica aerógrafo
Esta técnica consiste en una pistola conectada a un compresor de aire que
realiza un disparo con pequeñas gotas de pintura, esta pistola se llama
aerógrafo y puede dibujar sobre cualquier superficie. Nos permite aplicar
trazos finos, dibujar los detalles más pequeños y obtener contornos borrosos.
Aerografía crea un amplio espacio para la creatividad y permite utilizar
cualquier tipo de pintura: óleo, acrílico, gouache, acuarela, hasta la tinta.
Esta técnica se ha convertido en toda una tendencia en el arte
contemporáneo. Las obras realizadas con el aerógrafo se ven muy atractivas, se
conservan bien y asombran con sus detalles y precisión.
- Técnica del marcador
Se usa un marcador para la combinación de colores o la realización de
arte abstracto. La ventaja del marcador es que permite colorear de una manera
rápida. Se basa en la línea como elemento principal y además puede aportar direcciones,
puntos texturas, tachaduras, mezclas de color, etc.
- Técnica a lápiz de color
Técnica de ilustración con lápices de color que
se realiza casi de igual forma que con lápiz de
grafito, sólo que el color es más fino y con un acabado más satinado. Se emplea
mediante la superposición de capas, comenzando por los tonos claros y
terminando por los más oscuros.
INSTRUMENTOS QUE SE UTILIZAN PARA DIBUJAR
· El estilete → se trata de un
instrumento que se empleaba para escribir sobre tablillas de cera. Es una
varilla de metal apuntada muy parecida a la punta metálica.
· Punta metálica → es una varilla de metal
delgada. Los metales que más se utilizan son el plomo, la plata, el cobre y el
oro. Antiguamente, la punta metálica se usaba sobre vitela.
· Tintas → se trata de una
sustancia fluida para dibujar sobre papel empleando plumas como pinceles.
· Tinta de ácido ferrogálico → consiste en una tinta que cuando se aplica es
negra. Con el tiempo, ésta se vuelve marrón.
· Tinta de carbono → se trata de una tinta
que está hecha a partir de hollín. Este tipo de tinta ni se decolora ni se
vuelve marrón.
· Bistre → se trata de una tinta
que está hecha con carbón de madera. Su color puede variar desde el amarillo hasta el marrón oscuro.
· Sepia → es un color rojo
anaranjado oscuro. Se obtiene a partir de la jibia o sepia.
· Acuarela → es un pigmento que se
disuelve en agua y se plasma sobre el papel o el cartón.
· Carboncillo → se trata de una forma
de carbón. Se borra fácilmente. Fue utilizado por los griegos y romanos para
dibujar a mano composiciones murales.
· Tiza → se trata de un
instrumento que tuvo una gran importancia en el estilo. El inconveniente de
este instrumento es que aunque afilemos la tiza, no se puede conseguir trazos
tan finos.
· Tiza negra → consiste en un mineral
que hace una marca imborrable. Aparece en el S.XV pero se le da importancia en
el S.XVI.
· Tiza roja → es un instrumento
compuesto por óxido de hierro o arcilla ferruginosa. También se le conoce como
Sanguina.
· Pastel → se trata de barritas de
pigmentos de muchos colores mezclado con blanco. Se conoce desde el S.XV pero
en el S.XVIII se convierte en el máximo exponente del rococó.
· Estilográfico → es un rotulador que permite realizar trazos a tinta de diversos grosores. Se emplea para crear dibujos delineados.
· Instrumentos auxiliares → son instrumentos que sirven de apoyo para trazar líneas rectas, arcos de circunferencia, etc. Algunos de ellos son la regla graduada, la escuadra, el cartabón, el compás y el transportados de ángulos.
SOPORTES DEL DIBUJO
Los dibujos que realizaron en la antigüedad y los que realizamos actualmente se pueden plasmar en los siguientes soportes.
Las
paredes de las cuevas, tanto las interiores como las exteriores se
convirtieron en los primeros soportes de la pintura en el Paleolítico.
También plasmaban sus pinturas sobre la piel de los abrigos. Durante
el gótico, las paredes se sustituyeron por vidrieras.
El segundo y tercer
soporte que nos podemos encontrar son las pirámides que decoraban
los egipcios y las ánforas y vasijas que adornaban los griegos.
El pergamino fue otro
de los soportes más habituales y se utilizó como base de las
ilustraciones y como escrituras de los Evangelios y Biblias.
La madera ha sido uno
de los soportes más utilizados. La madera empleada era de
nogal, pino, abeto, abedul, cedro, álamo blanco y maderas tropicales duras como la caoba.
La
tela es el soporte más común en la pintura. Las telas mas empleadas
son las de lino y de cáñamo. Escasamente se
utilizan las telas de seda, lápiz, terciopelo, raso y satén.
En el Renacimiento, se
generalizó el uso del lienzo, el cual puede considerarse el soporte
de más éxito en la historia de la pintura.
El noveno soporte es
el muro. Dentro de la pintura sobre un muro se pueden utilizar dos
técnicas: pintura al fresco y al temple.
Otros soportes
utilizados en la pintura son el cobre, el
latón, el cinc, la pizarra, el mármol, el marfil, el vidrio, el
cristal, el plástico y el cuerpo humano.
El papel es el soporte
más idóneo del dibujo y uno más utilizados a partir del siglo XIV.
Ha sido utilizado para apuntes, bocetos y obras. Sobre el papel se
puede emplear una multitud de técnicas artísticas. Se suele utilizar el papel de lino, el de tinta, el de algodón y
papel gris, marfil y gamuza. Otros tipos de papel son el papel cartridge, la cartulina tipo bristol, cartones para dibujo e ilustración y el papel veludillo, aterciopelado, el papel bond, papel vegetal, cartulina durex, papel ingres y cason, cartón ilustración, papel para acuarela, papel caballo, papel crepé, fa óleo, fa acuarela y rosaspina. En Asia se utiliza el papel de algodón
llamado “Khadi”. El cartón al igual
que la cartulina, las tablillas egipcias, las láminas lisas,
calcáreas o de terracota, las hojas de papiro y de palma son
soportes que se emplean para el dibujo y técnicas afines. También se usó como
soporte pictórico el cuero y la vitela, superficies adecuadas para
la caligrafía, pintura y pastel. Otros soportes son el acetato y el metal.
ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS
Pollock
Nació en
1912 en Cody (Wyoming). Pintor estadounidense
representante del Expresionismo Abstracto. Estudiante de pintura en la Art Students League de Nueva
York junto a Thomas Hart Benton.
Entre 1935 y 1941
trabajó en el Proyecto Federal de
Arte, programa de subsidios creado por el Gobierno Roosevelt. En 1943, hace su primera muestra en la galería neoyorquina Art of this Century.
Sus primeras obras,
todas realistas, representan escenas. Influido por el surrealismo, pinta cuadros como La loba (1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York)
En 1947, elimina de sus
obras todo símbolo reconocible y empieza a pintar composiciones absolutamente
abstractas. Es famoso por las pinturas en las que
emplea el dripping (el
goteo de pintura) como técnica principal. La importancia del movimiento de su
cuerpo para la creación de estas obras es vista en ocasiones como uno de los
orígenes de la Pintura de Acción.
Jackson
Pollock falleció en Springs,
Nueva York, el 11 de agosto de 1956 al sufrir un grave accidente de automóvil.
Francis Bacon
Nació el 28 de
octubre de 1909 en Dublín.
En 1927 viajó
a París y Berlín, donde realiza trabajos de decoración. Es expulsado de casa por
su padre cuando tenía 16 años, al manifestar sus inclinaciones homosexuales.
Visitó una exposición de Pablo Picasso y
tras la impresión que le produjo, comenzó a realizar dibujos y acuarelas.
Este pintor
irlandés es el principal representante de la Neofiguración. Se especializó en la
representación condición humana desde una visión existencialista sombría y
cruda a través de dípticos, trípticos y series alrededor de un solo motivo. Sus
pinturas son figurativas,
aunque con deformaciones expresionistas monstruosas de gran intensidad
emocional.
Francis Bacon
falleció el 28 de abril de 1992 de una crisis cardiaca en la clínica Ruber, Madrid.
Autorretrato (1971)
Christiane Vleugels
Nació en Bélgica. Conocida como Raipun. A los 12 años sus padres la inscribieron en la Academia de
Bellas Artes, aprendió dibujo y escultura con el artista Herman Cornelis,
continuando su educación artística en el SISA y la Real Academia de Amberes.
Utiliza magistralmente
la luz y el color para dotar de vida a sus pinturas al óleo. Crea pinturas hiperrealistas que muestran sensualidad y
belleza. Consigue trasmitir una
historia propia completamente inventada por el espectador en cada uno de sus
cuadros.
Después de exponer en
diversas galerías, durante algún tiempo se dedicó a realizar encargos y
reproducciones, según ella misma, esto le sirvió para mejorar su técnica.
Miquel Barceló
Miquel
Barceló nace el 8 de enero de 1957 en
Felanitx, Mallorca. Sus primeros contactos con el arte se producen a través de
su madre, ella misma pintora en la tradición paisajística mallorquina.
En Mallorca aprendió
a amar las grutas y el mar, y entró en contacto con Joan Miró, una gran influencia en sus
primeros lienzos con temas de animales marcadamente expresionistas. En los años
70, durante un viaje a París, descubrió artistas como Paul Klee o Dubuffe y recibió influencias del Art
Brut, que le hizo experimentar terrenos no explorados. La pintura barroca,
el expresionismo abstracto norteamericano, el Arte povera italiana,
el Action painting, el Arte conceptual han influenciado
la imaginación de este artista neoexpresionista que, de forma autodidacta,
leyendo todo lo que caía en sus manos terminó trazando su propia senda
artística.
Continuamente
experimentando, valiéndose de la naturaleza y de elementos orgánicos. Algunas
de sus obras tienen evolucionan con el paso del tiempo: sometiendo a sus
lienzos a la reacción de la intemperie, provocando el cuarteamiento o la
oxidación de la pintura. También recurre a la técnica del dripping sobre telas que
posteriormente cubre con pintura de color blanco. Con la técnica del collage de
papel y cartón, crea una serie de autorretratos, representándose pintando en su
estudio y una serie de naturalezas muertas en París.
Uno de los
proyectos de mayor envergadura que ha acometido Barceló ha sido la decoración
de la Capilla de Sant Pere o del Santísimo en
la Catedral de Palma de Mallorca.
Luis Pérez
Nació
en Valladolid en 1978. Es un joven apasionado por la luz y los reflejos. En sus
obras podemos contemplar toda una variedad de motivos que van desde el paisaje
urbano (Nueva York, San Francisco, Londres,…) a aviones, motos o coches,
siempre bajo un acento marcado realista. Sus pinturas destacan por el alto
grado de detalle que contienen. A primera vista pueden parecer fotografías.
Cada trabajo
es realizado minuciosamente, es una labor que puede llevar hasta tres meses
para su completa ejecución. Por ello, su producción se reduce a unos pocos
cuadros por año, estando disponibles a la venta en galerías de Londres, Madrid
y Hamburgo.
Como buen
amante del automovilismo, la marca Ferrari es una de sus preferidas a la hora
de realizar un nuevo cuadro, y ya sea representando un volante clásico o el
moderno California, logra capturar hasta el más mínimo detalle.
Licenciado en
Historia del Arte en la Universidad de Valladolid, vivió durante cuatro años en
Londres, donde comenzó su carrera artística. Pese a su juventud ha expuesto ya
en varios países, su obra se encuentra en colecciones tanto públicas como
privadas de todo el mundo y ha aparecido en revistas especializadas como
Classic Cars Magazine.
Ferrari California (2010)
ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS ANDALUCES
Luis Gordillo
Nace en
Sevilla, en 1934. Estudió derecho y comenzó su formación en la Escuela de
Bellas Artes de Sevilla
En 1958
viaja a París donde descubre el Informalismo. Posteriormente aparecen en sus
dibujos elementos del pop art. Su trayectoria marcada por la experimentación
continua así como por el cambio de registros en su producción se adentra en la
abstracción, donde plasma obsesiones e incertidumbres. En su obra más reciente
mezcla fotografía, pintura, estampa y trabajo de ordenador.
Caballero cubista aux larmes
Automovilistas en el paisaje
Chema Cobo
Nace
en Tarifa (Cádiz) en 1952. Estudió Filosofía en la Universidad Autónoma de
Madrid, pero en realidad su vocación es la pintura que ejerce desde los años
setenta.
Su estilo se define por una mezcla de varias
características: pop, surrealismo, futurismo y dadaísmo con un resultado final
muy colorista y temas fantásticos e imaginativos.
Actualmente vive en Alhaurín el Grande
(Málaga).
Study of Two Pears (Estudio de dos peras)
Metamorfosis
Alfonso
Albacete
Nace en
Antequera (Málaga) en 1950. Se formó en Murcia teniendo como profesor al pintor
murciano Juan Bonafé. Durante esos años también realiza Arquitectura en la
Escuela Técnica Superior de Madrid. Continuó sus estudios pictóricos asistiendo
a las clases del Círculo de Bellas Artes de Valencia.
Su obra
plantea reflexiones sobre la pintura del siglo XX, muestra un acercamiento al pop art y al fauvismo.
A finales de los años 70 posee un estilo
que coexiste entre la figuración y la abstracción. Además, el expresionismo
abstracto procedente de América se convierte en un elemento que hace propio. Su
pincelada se vuelve entonces sistemática y constructiva.
La obra de Alfonso Albacete ha
evolucionado desde el realismo, utilizado en sus primeros cuadros, hasta llegar
a la nueva figuración con una tendencia claramente expresionista, que se
observa en el uso de colores fuertes y vivos.
En sus series de bodegones, figuras
humanas y marinas utiliza un lenguaje cada vez más abstracto. Poco a poco su
pintura se ha ido centrando en un dibujo enriquecido con elementos
arquitectónicos y figuras geométricas.
Alfonso Albacete reside actualmente en
Madrid.
Tercera pérgola
Dos calles conducen al sur
Abraham Lacalle
Nació en Almería en 1962. Comenzó
su carrera en la década del ´80 y en 1994 ganó la beca de promoción artística
de la Casa de Velázquez. Su obra se caracteriza por tener referencias
literarias -Lowry, Fernando Pessoa, Ramón Gómez de la Serna-, disciplina que también cultiva.
Sus obras impactan por la
especial subjetividad que hace en el tratamiento del color. A su vez en ella
hay constantes referencias a los grandes movimientos artísticos y literarios
del siglo XX y una crítica social.
Fuente
Meridiano de sangre
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